Verdades de Cine

VERDAD Nº 15: Ver una película de David Lynch es como comprar melones.

2006-06-09T14:48:00.000+02:00

Con la llegada del verano llega también la temporada de los melones. Una fruta muy rica y refrescante pero que conviene elegir bien en el momento de su compra para luego no llevarse desagradables sorpresas en cuanto a su sabor se refiere. E incluso eligiendo bien nada te garantiza al cien por cien librarte de un melón con sabor a pepino.
Las películas de David Lynch son como melones, lo mismo te sale uno delicioso “Una historia verdadera” (The straight story 1999)que uno imposible de comer "Twin Peaks" (Fire walk with me 1992).
La cultura popular nos indica una serie de trucos para elegir correctamente un melón. Es preferible el melón de piel rugosa al de piel lisa, debe tener un peso acorde con el tamaño etc etc…Pienso que la cultura popular también debería aportar trucos sobre si ver o no una película de Lynch. Yo voy lanzando alguno. Por ejemplo, es preferible que la película este basada en hechos reales. Así ha ocurrido en dos de sus mejores películas “El hombre Elefante” (The elefant man 1980) y “Una historia verdadera” (The straight story 1999) son acontecimientos reales y parece que, este hecho, ha delimitado en el mejor de los sentidos la creatividad del director estadounidense, como si el peso de la historia acaecida no dejara lugar a la prolongación de sus paranoias mas habituales. Otro truco; leer la sinopsis de la película y, si vemos que el mundo de los sueños o de los universos paralelos tiene un papel importante, huir como de la peste. Las película sobre Twin Peaks o “Carretera Perdida” ( Lost Highway 1996)caminan por estos senderos y son francamente inaguantables….
A ver si alguien se anima a lanzar algún otro truco, dando por hecho que no será infalible, puesto que como he dicho al principio ni siguiendo unas reglas sabes como te saldrá el melón. “Terciopelo Azul” (Blue Velvet 1986) a priori daba “miedo” y resultó ser una película magnífica…..

VERDAD Nº 14: No es bueno ver más de una película de Julio Medem

2006-05-31T19:49:00.000+02:00

Vaya por delante que me parece un buen director. Y vaya por delante que su mejor trabajo creo que es (que nadie me mate) “La Pelota Vasca” (2003) precisamente porque, al ser un documental, es la menos “Medem” de sus películas. El caso es que Don Julio manifiesta unos síntomas de ensimismamiento que le podrían colocar en pocos años al nivel del gran ensimismado del cine español que a estas alturas ya no hace falta ni nombrar….

Ves una película suya y está bien. Una historia mas o menos original, una estética muy cuidada….pero siempre está con lo mismo. Cuando has visto todas o la gran mayoría de sus obras la cosa ya te aburre. Tanta metáfora, tanta casualidad tanto parecer que te cuenta una gran historia cuando en el fondo lo que ocurre es que un gran despliegue técnico y visual enmascara la nada. A todo el mundo le gusta la primera película que ve de él. Da igual la que sea. El que lo primero suyo que ve es “Lucía y el Sexo” (2001) está encantado y te confiesa que le pareció una película buenísima. Meses más tarde te lo encuentras y te dice que se alquiló en DVD “Tierra” (1996) y necesitó morfina para terminar de verla…Medem representa el lado oscuro del concepto de cine de autor, mucho más preocupado por la forma que por el fondo, por el aspecto que por la esencia. Realiza unos envoltorios muy bonitos pero dentro no hay caramelo (y si lo hay es muy pequeñito).Por eso no es extraño que en la publicidad alcance grandes logros (ha realizado, por ejemplo, una campaña para Balay con gran éxito).
Yo recomiendo a todo aquel que vea por primera vez una película de Medem que pare ahí, que no rompa a la magia, y que piense que, como Charles Laughton, el donostiarra es un director que solo ha hecho una película….

VERDAD Nº 13: Deberíamos haber llorado más la muerte de George Pan Cosmatos

2006-05-22T19:36:00.000+02:00

El 19 de abril del presente año, sin apenas hacer ruido ni tener notoriedad en la prensa, al contrario de lo habitual en los sucesos trágicos en el mundo del cine, se nos iba para siempre a consecuencia de un cáncer George Pan Cosmatos. Muchos os quedareis igual pero cuando os diga que este señor era el director entre otras de “Rambo” (First Blood Part II 1985) y “Cobra” (1986) os dará un vuelco el corazón.
En primer lugar hay que aclarar que era completamente real. De toda la vida, pero con especial asiduidad en los años ochenta, circula la historia de directores que se ven obligados a realizar películas de baja calidad para ganar dinero y que por prestigio ponen en los créditos un nombre falso .El bueno de George como tenía unos apellidos tan peculiares debido a su origen italochipriota, era siempre sospechoso de no existir y de ser simplemente un pseudónimo. De tal manera que siempre había algún listillo que tras ver “Rambo” decía “Pan Cosmatos,Pan Cosmatos….a mi no me engañan, ¡¡esta película es de James Yvory!!”.
Deberíamos haber llorado más esta perdida por ser unos de los fontaneros de Hollywood. Hay que hacer una continuación de Acorralado reaccionaria con el tema Vietnam de fondo….George la dirige. Hay que hacer una película que copie "Alien" y “Abyss” para sacar todo el dinero que se pueda….George la dirige y deja una serie B de primera como es “Leviathán” (1986). Pan Cosmatos dirigía aquellos guiones que pocos directores se atreverían a dirigir…
Todos dicen que su mejor película es el “Puente de Cassandra,” (The Cassandra Crossing 1976) pero los que recordamos a Marion Cobretti con sus gafas oscuras y la cerilla entre los dientes en una aventura digna de un capítulo del Equipo A o del Coche Fantástico solo que mucho más violenta nos quedamos con “Cobra.”
Descanse en paz.

VERDAD Nº 12: La vuelta de Pajares y Esteso es muy buena noticia para el cine español.

2006-05-07T21:10:00.000+02:00

Desde hace unos días la blogosfera (cinematográfica o no) anda revolucionada con la noticia de la vuelta al cine de Andrés Pajares y Fernando Esteso. Frases como “vuelve la caspa” o “el retorno del cine freak” se leen habitualmente en las informaciones que comentan el retorno de la pareja cómica. En los tiempos que corren para el cine español, tiempos de recaudaciones pírricas y de escasa permanencia en la cartelera, el retorno de un tipo de cine que en su día hizo mucho dinero es una magnífica noticia. Ya llegarán las obras maestras, de momento que llegue el dinero. Si para el año que viene (fecha prevista para el estreno) pudieran coincidir el estreno de una película de Amenabar con otra de Almodóvar más un Torrente IV y una de Pajares y Esteso, puede que los números del cine español alcancen cotas dignas y no se asemejen a los números que mueve la industria de las castañuelas en Helsinki (que es a lo que se parece ahora).
Lo único que pedimos a Marcos Moreno (director de esta nueva película) es que intente realizar una auténtica película de Pajares y Esteso, y no pretenda hacer otro tipo de cine. Le damos tres claves básicas para no fallar:
-El argumento debe girar en torno a un tema de actualidad social tratado con la rigurosidad que se tratan estos temas en las barras de los bares de nuestro país. Así ocurrió en “Los Bingueros” 1978 (legalización del juego en España),”Los chulos” 1981 (la prostitución)….
-Los secundarios deben ser de lo mejor del cine español, aunque salgan dos minutos. En el caso de las secundarias femeninas deberán aparecer desnudas por lo menos la mitad de ellas.
-La película terminará con un plano congelado de Pajares y Esteso haciendo un corte de mangas. Algo muy habitual en sus películas anteriores y de las principales aportaciones del cine español a la técnica cinematográfica mundial.
Si lo hace así auguramos un gran éxito a la película y hasta puede que Mariano Ozores le de un diploma (Como hace Lars Von Trier con los que hacen películas Dogma).

VERDAD Nº 11: El “Sargento de Hierro” está a la altura de las mejores películas de Clint Eastwood

2006-04-20T19:21:00.000+02:00

A nadie sorprende ya todos los éxitos que las películas de Clint Eastwood están obteniendo a todos los niveles principalmente en la década de los noventa y principios de este siglo. Un éxito bien merecido pero que no debería circunscribirse únicamente a películas como “Sin Perdón” (Unforgiven 1992) o “Mystic River” (2003).El reconocimiento debería alcanzar también otros trabajos suyos como sus “películas con mono” (“LA Gran pelea” y “Duro de Pelar” junto a Sondra Locke y el orangután Clyde) y la defenestrada incluso por sus admiradores “El Sargento de Hierro” (Heartbreak Ridge 1986).

Las críticas más comunes a esta película son las referidas a la exaltación que supuestamente hace de los valores castrenses y a su carácter fascista. Nada más lejos de la realidad. Apoyada en unos preciosos diálogos repletos de excesos verbales y trabajadas frases macarras,”El Sargento de Hierro” debe tomarse como una comedia que en el fondo manifiesta un marcado carácter antibelicista. Es tal el exceso verbal que acaba parodiando el mundo que retrata. Frases como “Yo como alambre de espinos y meo napalm" o “lo mejor será que te tumbe sobre esa mesa y te dé por culo así podrás ir a tu casa con una sonrisa en la cara y presumiendo de que acabas de cepillarte a un tío cojonudo” son perlas dialécticas que no hacen mas que corroborar el sentido cómico del film y su sentido crítico. De hecho el cuerpo de marines, que prestó a la producción todo su apoyo, reniega de la película desde el mismo día de su estreno.
Por otro lado, a la hora de enjuiciar si el lenguaje de la película abusa de tacos y frases malsonantes, deberíamos preguntarnos nosotros mismos que saldría por nuestra boca y que humor se nos pondría si tuviéramos un subordinado como Mario Van Peebles….seguro que hablaríamos peor que el sargento Tom Highway.

VERDAD Nº 10: Es inevitable ver “Ben Hur” en Semana Santa

2006-04-07T17:57:00.000+02:00

Suele ser el jueves santo a las diez de la noche en Televisión Española o en una autonómica. Llevas unos días viendo el trailer que anuncia que la pondrán y piensas para ti mismo “esta vez no, ya la he visto muchas veces”. Pero llega el día. Entre unas cosas y otras no has salido a la calle y te encuentras a las diez viendo la tele y cambiando de canal hasta que encuentras “Ben Hur” (1959) y entras en una especie de hipnosis. Te la sabes de memoria y sabes que escenas vendrán antes de tiempo….pero también sabes que la volverás a ver entera. Aun queda una mínima esperanza de no verla, si cambias de canal antes de la escena en la que la hermana de Judá Ben Hur tira por accidente la teja estarás a salvo, pero como llegues a esa parte hazte a la idea que hasta el “The End” no te moverás del sillón. Luego vendrá el enfrentamiento con Messala, escena mitificada por toda la comunidad gay (dos hombres y una gran lanza) y te das cuenta que estás enganchadísimo una vez más.
A partir de aquí Charlton Heston (el Steven Seagal de los cincuenta), galeras, batallas navales,la música de Micklós Rózsa ,cuadrigas, lepra y hasta el mismísimo Jesucristo dando de beber al sediento configuran un espectáculo cinematográfico de primer orden. Ben Hur es un compendio (con lo mejor y lo peor) del cine épico, del bíblico e incluso del de romanos, y quizá por esto sea por lo que nos guste. Además es de William Wyler.
Con anuncios y todo han dado las dos de la mañana cuando acaba la película. Te levantas de tu asiento y con una sensación muy parecida a la satisfacción por el deber cumplido te vas a la cama .Estas convencido que el año que viene ya no la verás cuando el sueño te vence y te duermes.

VERDAD Nº 9: “Top Secret” es la mejor película del género de comedias absurdas

2006-03-31T23:59:00.000+02:00

El trío de guionistas y directores Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker sorprendieron en el año 1980 con el estreno de “Aterriza como puedas” (Airplane!), parodia del cine de catástrofes y cuna del género de comedias absurdas. Es una gran película que sienta las bases de toda una saga, pero precisamente por ser la primera no está tan perfeccionada y pulida como la obra maestra del género “Top Secret” (1984).
Realizada por el mismo trío de directores que de una u otra manera han estado presentes en la mayoría de películas de este tipo (salvo Jerry Zucker que en lugar de alegrar la vida a la gente haciéndoles reír eligió amargársela con películas insufribles como “Ghost” o “El primer Caballero” ) “Top Secret” es la cumbre de las comedias absurdas. Posee un ritmo de gags más acelerado que su predecesora e integra todas sus claves genéricas dentro de una historia homogénea, no tan fragmentada como ocurría en “Aterriza como puedas”.La producción no repara en gastos y cuenta con grandes actores como Peter Cushing y Omar Sharif e incluso con una banda sonora a cargo de Maurice Jarre (autoparodiandose incluyendo un fragmento de Doctor Zhivago al aparecer Omar Sharif).Referencias que van desde las primeras películas del cine mudo hasta el humor de las comedias de situación televisivas pasando por el “Ser o no ser” de Lubitsch hacen que sea imposible comprender el devenir de la comedia americana de finales del siglo pasado sin ver esta película. ¿Cuántas veces descubrimos uno nuevo gag al verla otra vez ?.
Ni que decir tiene que Val Kilmer como Nick Rivers hace la mejor interpretación de toda su carrera ,hace un rockero muchísimo mas creíble que en su interpretación de Jim Morrison en The Doors (1991) no podemos negarlo y desarrollar esto daría lugar a otra verdad cinematográfica.

VERDAD Nº 8: José Luis López Vázquez es uno de los mejores actores del mundo.

2006-03-24T08:23:00.000+01:00

El 11 de Marzo de 1922 en Madrid venía a este mundo uno de los más brillantes actores que ha dado la historia del cine; José Luis López Vázquez. Mas de doscientas películas acreditan no solo sus ganas de trabajar (es quizá el más prolífico de nuestros actores) sino también su enorme calidad interpretativa.
Un tipo que es capaz de rodar el mismo año dos películas tan distintas como “El Jardín de las Delicias” (1970) de Carlos Saura (paradigma de cine simbólico) y “El astronauta” (1970) de Javier Aguirre (paradigma de vete a saber qué) y no volverse loco, tiene que ser un genio. Para López Vázquez da igual la comedia o el drama, el cine o la televisión, siempre está sublime incluso en ocasiones por encima del producto que interpreta. Esa frase que nos gusta tanto decir en España de “Si fulanito hubiera nacido en Estados Unidos sería reconocidísimo” con López Vázquez hay que confesar que es una frase que se adapta a la perfección.
Por supuesto que soy un fan absoluto de todas sus interpretaciones en los sesenta y setenta en películas denostadas unánimemente por la crítica, pero para no ofender a los puristas de esto del cine y para demostrar que tiene una envidiable filmografía bastará con citar “El pisito” (1958) “Atraco a las tres” (1962), “Mi querida Señorita” (1972), “La Cabina” (1972) “Viajes con mi tía” (1972) “La escopeta Nacional” (1977) ….y muchas mas. Para ofender a los puristas reivindicaremos interpretaciones como la del padrino de “La Gran Familia” (1962) y la de Don Anselmo en “El Astronauta” (1970) dejando para la historia el término “propergol”.
Como decía Mariano Ozores en su inclasificable libro de memorias “Respetable público; como hice casi cien películas” refiriéndose al actor:”sin querer ofender a nadie de todos los actores españoles José Luis López Vázquez es sin duda el mejor”

VERDAD Nº 7: "Regreso al futuro" es ya un clásico

2006-03-17T08:29:00.000+01:00

En la época en la que Spielberg se dedicaba a producir o dirigir magnificas películas, Robert Zemeckis encontró su apoyo para rodar “Regreso al Futuro” (Back to the Future 1985) película paradigmática de los años ochenta, obra maestra indiscutible y referencia obligada en la temática de los viajes en el tiempo.
¿Qué decir que no se haya dicho de esta película? Un prodigioso y calculado guión que mezcla hábilmente cine de adolescentes con ciencia ficción y permite, con una trama de aventuras aparentemente superficial, tocar temas tan profundos como la importancia del pasado en el presente o hasta una revisión del mito de Edipo (al revés y de manera inconsciente). El mejor Michael J Fox y Christopher Lloyd acompañados de Lea Thompson y Crispin Glover (nadie los suele mencionar pero bordan sus papeles) unos buenos efectos especiales y una memorable banda sonora a cargo de Alan Silvestri son otros de los elementos que han contribuido a convertir, dos décadas después de su estreno, “Regreso al Futuro” en un clásico. El gran sueño cinematográfico perseguido por muchos y conseguido por pocos de hacer una película de calidad y taquillera aquí se realiza. Con “Regreso al Futuro” arte e industria se besan. Incluso se meten mano.

Una prueba evidente del clasicismo conseguido por esta película es la predisposición del espectador a verla. Por mucho que nos la sepamos y aunque la tengamos en DVD, cada vez que se emite por televisión no podemos evitar verla, aunque la cojamos empezada. Esto solo pasa con los grandes clásicos. Si H.G Wells levantara la cabeza estaría orgulloso de esta obra inspirada libremente en su “Máquina del tiempo” e incluso sentiría envidia, no sabemos si sana o no.

VERDAD Nº 6:Almodóvar es un director sobrevalorado

2006-03-09T19:59:00.000+01:00

Pocos directores del actual panorama cinematográfico europeo han sido tan reconocidos como Pedro Almodóvar. Este reconocimiento, que parece ser poco para él por lo que algunas de sus declaraciones apuntan, no va acompañado de una filmografía realmente brillante.
Sus comienzos musicales al lado del genio Fabio Mcnamara ya apuntaban la originalidad y creatividad de sus primeras películas realizando su auténtica obra maestra en el año 1985; “Que he hecho yo para merecer esto”, joya del cine español que muestra un drama de manera muy peculiar y castiza con interesantes guiños al cine “quinqui-mangui” (memorable el papel del hijo mayor y esos planos del Barrio de La Concepción en plenos años ochenta).A partir de aquí, y con “Mujeres….” (1988) como punto de inflexión, descenso a los infiernos del cine interesante y subida a los altares de la industria. “Atame” (1990), “Tacones Lejanos” (1991) “Kika” (1993) e incluso “Todo sobre mi madre” (1999) son claros ejemplos de ensimismamiento cinematográfico. Almodóvar ha creado un estilo pero no sale de ahí, de tal manera que uno no se puede imaginar una nueva película del manchego que sea una comedia, una de suspense o un musical…simplemente va a ser una película de Almodóvar y la cosa ya aburre. Muchos de los grandes directores de cine han creado un estilo y lo han integrado perfectamente en todo tipo de historias que han filmado. Almodóvar funde su estilo en un mismo tipo de historias con lo que no apreciamos si realmente es tan buen director o no. Antes técnicamente era flojito pero muy original y ahora hace un cine muy profesional pero previsible.
Y se estrena “Volver”.Pues eso Pedro ¡vuelve! ¡vuelve a cantar con Mcnamara “Voy a ser mamá”!

VERDAD Nº 5:Bill Murray se está “stevenseagalizando”

2006-03-02T18:21:00.000+01:00

De un tiempo a esta parte crítica e industria se han cogido de la mano para cacarear a los cuatro vientos la calidad como actor de Bill Murray. Dos películas centran las alabanzas; “Lost in Translation” (2003) y “Flores Rotas” (Broken Flowers 2005). En ambas Murray basa su actuación en poner cara de palo, reducir los gestos a la mínima expresión y moverse en el plano más bien poco. Es decir, lo que está haciendo es lo que lleva haciendo Steven Seagal desde su primera película por lo que se puede hablar de un claro proceso de “stevenseagalización”.

Los que admiramos al bueno de Bill por películas como “Cazafantasmas” (Ghostbusters 1984), “Atrapado en el Tiempo” (Groundhog Day 1992) o la maravillosa “Los Fantasmas atacan al jefe” (Scrooged 1988) no acabamos de entender porqué ahora la crítica y la industria se dedican a premiarlo y ensalzarlo precisamente cuando sus actuaciones son más simples. ¿Es un reconocimiento a la labor de Steven Seagal? Eso es lo que nos gustaría pero no tiene pinta…de ser así quizá Seagal debería convertirse en el nuevo Lee Strasberg y formar un Actor´s Studio para explicar sus técnicas interpretativas. Los primeros alumnos podrían ser Jim Carrey y Roberto Benigni que tras las correspondientes clases reducirían sus gestos a la hora de interpretar a la mitad.
Lo que está claro es que a sus 56 años Bill Murray tiene el futuro más prometedor de todos los actores de Hollywood. El apoyo mediático unido a su labor interpretativa actual (compatible con muchas de las enfermedades de la vejez incluida la parálisis facial) le garantizan estar en la brecha hasta los 96 años y ganar tres globos de oro y cuatro o cinco oscars. Ay que tiempos aquellos del “Pelotón Chiflado” (Stripes 1981)….

VERDAD Nº 4:”El Castañazo” es la mejor película de la historia sobre el mundo del deporte.

2006-02-24T08:37:00.000+01:00

En 1977 se estrenó “El castañazo” (Slap shot), la historia de un equipo de hockey sobre hielo de segunda fila dirigida por George Roy Hill, director entre otras de “El Golpe”(The Sting 1973) y “Dos hombres y un destino” (Butch Cassidy and the Sundance Kid 1969).La gran mayoría de crítica y público prefiere estas dos películas, pero la gran obra de este director es sin duda "El Castañazo", la mejor película de la historia sobre las entrañas del mundo del deporte.Tanto "El Golpe" como "Dos hombres y un destino" tienden en exceso a la dulzura .Para empezar porque Paul Newman y Robert Redford interpretando a estafadores o a forajidos como Butch Cassidy y Sundance Kid no acaba de ser muy real .Seguro que los auténticos forajidos no tenían ni dientes y en la película los interpretaban los dos tios más guapos de Hollywood….es como si las andanzas del Vaquilla las hubiera interpretado en pantalla George Clooney acompañado de Jude Law como “el torete”.
“El castañazo“es real, crítica e incisiva con lo que rodea al deporte de alta competición. Logra engancharte aún importándote el hockey hielo bastante poco y treinta años después toca temas de plena vigencia en la actualidad como la importancia de las televisiones y las marcas en la financiación de lo equipos, la alienación de la sociedad a través de los grandes espectáculos deportivos convertidos en opio del pueblo, la fascinación de la violencia...todo ello rodado con un ritmo tan trepidante como un partido de hockey.
“El castañazo” deja también para la historia unos personajes secundarios de la importancia de Claude Rains en "Casablanca" (1942) o Pepe Isbert en “Bienvenido Mr Marshall” (1953) ; Los Hanson, plasmación fílmica de la irracionalidad humana asumida y alentada al servicio de los intereses económicos. Vaya tela

VERDAD Nº 3: "Grease" es mucho mejor que "Dirty Dancing"

2006-02-15T19:27:00.000+01:00

Una década y un abismo en calidad cinematográfica separan ambas películas. Grease (1978) y Dirty Dancing (1987) fueron musicales de gran éxito que llegaron a convertirse en un fenómeno social. Hace pocas fechas el sociólogo Pablo Conejo elaboraba un estudio según el cual es posible averiguar la tendencia sexual de un individuo simplemente preguntado cual de estas dos películas se prefiere. Si la respuesta es “Grease” el individuo es heterosexual y si la respuesta es “Dirty Dancing” el individuo es homosexual. Pruébenlo.
El encanto de “Grease” reside, además de su banda sonora ideal para bailar con unas copas de más, en la capacidad de identificación del espectador con la historia. Todos hemos vivido un primer día de instituto tras las vacaciones, todos hemos pertenecido a una pandilla de macarras e incluso, dependiendo del barrio donde nos hayamos criado, hemos tenido una carrera de coches con un tipo como “Cara de cráter”.

Con “Dirty Dancing” la identificación es imposible. Ninguno hemos ido con nuestros padres a una especie de balneario y nos hemos apuntado a clases de baile donde había un profesor como Patrick Swayze. Y si hemos ido lo negaremos hasta la muerte.
“Grease” dejará para la historia la mejor interpretación de Travolta, un bailongo Lorenzo Lamas pre Falcon Crest, y una serie de frases míticas (“a Ritzo le han hecho un bombo”).”Dirty Dancing” solo dejará sus cifras en taquilla.
Patrick Swayze tendrá que esperar dos años para protagonizar una auténtica película mítica; “De profesión Duro” (Road House 1989) la historia de un doctor en filosofía que prefiere ganarse la vida como seguridad en garitos country. No descarto algún día hablar de esta pequeña joya, mientras tanto todos a cantar: We go together like ramma lamma lamma ka dinga da dinga dong Remembered forever as shoo-bop sha whada whadda yippidy boom da boom….

VERDAD Nº 2:"El coloso en llamas" es una obra maestra

2006-02-06T18:57:00.000+01:00

1974 pasará a la historia del cine por ser la fecha de estreno de “El coloso en llamas” (Towering Inferno) la película dirigida por John Guillermin y producida por Irving Allen, el conocido “Master of Disaster” de Hollywood. Aún no siendo la primera del género de catástrofes sienta las bases sobre las que se han movido todas las películas posteriores de este tipo.
Una auténtica obra maestra que conjuga a la perfección espectáculo visual con drama gracias a su maravilloso guión. Como si se hubieran mezclado la mejor de las películas de James Bond con “Vidas Cruzadas” (Short Cuts 1993) de Robert Altman. Toma ya comparación.

Paul Newman con chaqueta de pana de aquí para allá, Steve McQueen como jefe de bomberos, Fred Astaire con una pajarita con la que podría hacer ala delta y un Richard Chamberlain más malo que el demonio hubieran sido dignos ganadores de un Oscar, una Copa Volpi o un Nobel si se hubiera terciado. El resto del reparto alucinante.
158 minutos de buen cine con escenas que siempre se recordarán ya sea por su espectacularidad o por el sentimiento que desprenden. Casi tengo que ir a un psicólogo por la escena en que Fred Astaire tapa un cadáver y mueve lentamente la cabeza negativamente.
Dos últimos apuntes; a ver si TVE retoma la costumbre de emitirla todas las navidades, que llegó a ser algo tan clásico como el concierto de año nuevo de Viena, y ojito con la última versión en DVD. Imagen espectacular pero la versión con doblaje español está redoblada por lo que los que la hemos visto quince veces en televisión notaremos algo rarillo……
No pasa nada, se ve en versión original y ya está, al fin y al cabo así es como debe contemplarse una obra de arte.

VERDAD Nº 1:Seagal es mejor que Van Damme

2006-02-01T18:15:00.000+01:00

Los amigos de Planeta DeAgostini han sacado hace pocas fechas un coleccionable en DVD bajo el título “Las Mejores Películas de Van Damme y Seagal”. Alguno pensará que el coleccionable apenas durará un par de semanas porque sus mejores películas no son más de dos .Y esto es cierto solo en parte, concretamente en la parte que corresponde a Jean-Claude Van Damme. La infamia de este coleccionable reside en mezclar el mítico cine de Steven Seagal con la barata y absurda filmografía del musculoso belga Van Damme.
Tiene toda la pinta de ser idea de un director de marketing o un responsable de colecciones que ha creído que como ambos actores se dedican al cine de acción se justifica que aparezcan juntos cada dos semanas en un quiosco. Pues no se por qué, yo no veo colecciones que se llamen “Las mejores películas de Cary Grant y Chevy Chase” ni recopilaciones musicales que sean “The Who y El Canto del Loco”.Ni Seagal ni el cine se merecen esto.
Las películas de Steven Seagal son un género en sí mismo que han logrado a través de la sencillez interpretativa del actor reflejar las líneas básicas del género de acción. Los guiones, del mismo modo que su rostro, están despojados de todo artificio para centrarse únicamente en la esencia. El bueno es bueno, el malo es malo y la violencia es el único recurso que le queda al héroe. Sin metáforas ni nada, narrado de manera lineal.

En Difícil de Matar (Hard to Kill 1990) tras años en coma se despierta y se escapa el solito del hospital. Un recurso fácil hubiera sido añadir escenas a la historia en las que el protagonista se recupera de su estado comatoso, pero en las películas de Seagal no hay tiempo para tonterías .Directamente a la esencia del propio film, la acción, de la cama a la pelea. En la nominada a un Oscar (lo juro) Alerta Máxima (Under Siege 1992) el tranquilo cocinero un buque de la marina secuestrado no tarda ni dos minutos en pasar de cocinar un delicioso plato a matar gente con técnicas karatekas. Esta celeridad y ausencia de pretensiones vitales y filosóficas, cercana a la narración de un comic, es lo que hace a la saga de Seagal especial .Voy a parar un poco que me estoy creyendo hasta yo lo que escribo…
Las películas de Van Damme son por lo general bastante malas por querer dotar a su protagonista de profundidad interior lo que exige al actor llegar a unos registros que no tiene. En Sin Escape (Nowhere to run 1993) es un fugitivo que ayuda a una viuda con dos hijos que encuentra en su huida. Escenas románticas, dilemas internos del protagonista…..entre pelea y pelea hay que esperar bastantes minutos y francamente no estamos dispuestos (no con Van Damme como protagonista).Además hay cierta querencia en la filmografía del belga a sacarle del tiempo actual como en Soldado de Fortuna (Legionnaire 1998) o Timecop (1994) pretendiendo dar aire de superproducción a productos de factura mediocre y dejando en evidencia al actor en cualquier época. Seagal es un hombre de su tiempo, ya puede interpretar en un barco, en un tren o en el Nepal pero siempre en su tiempo y vestido casi igual (con toques indios u orientales) que queda bien, mientras que a Van Damme hay que disfrazarle y rodearle de escenarios exóticos o futuristas para disimular sus carencias…..francamente no hay color.Para terminar me quedo con la definición de ambos que hacen en la web de Planeta DeAgostini: “Aparecieron al mismo tiempo, de forma inesperada y silenciosa: el uno, alto, serio, de movimientos rápidos y precisos; el otro, algo más bajo, musculoso, elástico, pura fuerza.” Espero escribir algún día así.